«Obsession»
Título en España: Obsession
Año de Producción: 2025
Director: Curry Barker
Director de Fotografía: Taylor Clemons
Ópticas: Panavision Ultra Speed MkII
Formato y Relación de Aspecto: Arri Alexa 35, 1.50:1
Otros: 4K Digital Intermediate
Formato 1.50:1, ópticas Panavision abiertas y atmósfera nocturna en una película de terror que se ha convertido en un fenómeno comercial.
La película
«Obsession» es el primer largometraje profesional del escritor, director, guionista y actor Curry Barker, autor de múltiples cortometrajes, así como de un largometraje, «Milk & Serial», que costó ochocientos dólares y fue estrenado en YouTube. Producida por menos de un millón de dólares, se ha acercado a los cuatrocientos millones de recaudación mundial, lo que la ha convertido en uno de los grandes fenómenos de la temporada.
Su protagonista es Bear (Michael Johnston), que está enamorado de Nikki, una compañera de trabajo que no siente ningún interés por él. Por ello, decide probar un extraño objeto que promete que se cumplirá el único deseo que pida. Desde ese mismo instante, su compañera de trabajo —o una versión alternativa de la misma— se enamorará locamente, en sentido literal, de él, con gravísimas consecuencias debido a la intensidad de ese amor; de ahí, el título del film.
Lo mejor de «Obsession» es su elevado sentido de humor, además de su ambiente y atmósfera enfermiza, que ofrece más una experiencia cercana a la comedia negra que al terror puro que promete, a pesar de algún susto potente. Pero también, quizá, es demasiado larga para lo que cuenta y no resulta tan interesante cuando se inicia el segundo acto, más allá de momentos y sustos puntuales.
La película participa, además, de ciertas maneras ya muy codificadas del terror contemporáneo de prestigio, lo que por momentos la hace parecer más solemne de lo que su premisa quizá necesitaba.
El director de fotografía
El director de fotografía es Taylor Clemons, para quien «Obsession» supone su primer largometraje de verdadera visibilidad industrial, aunque ya había fotografiado «One More Game», de Nick Janssen, estrenada posteriormente en 2026. Así que tras unos cuantos cortometrajes y videoclips, Clemons tuvo la gran oportunidad de darse a conocer con este gran éxito sorpresa, rodado en veinte días principales, más tres o cuatro jornadas adicionales de reshoots.
A pesar de su presupuesto reducido, probablemente gracias a algún acuerdo favorable de alquiler —algo habitual en producciones independientes con paquetes Panavision—, los cineastas tuvieron la oportunidad de rodar con la Arri Alexa 35 y con ópticas ultraluminosas antiguas de Panavision, de los años 70 u 80. Las fuentes indican que se trata de la serie Ultra Speed MkII, aunque por el aspecto algunas focales recuerdan también a otras series de la marca —como los Super Speed o la serie «Z»— basadas en cristal Zeiss, además de algún zoom.
En cualquier caso, se trata de equipos muy especiales, de gama muy alta, que hacen que el acabado de «Obsession» sea superior a lo que cabría esperar por su presupuesto.
Análisis del estilo visual
Estéticamente, la película es principalmente nocturna y está marcada por la búsqueda clara de una atmósfera cargada, casi desde el comienzo. Las excepciones podrían ser la apertura en la cafetería, que es toda una declaración de intenciones en cuanto al tipo de planos —amplios, largos—, y las que tienen lugar en el trabajo de los protagonistas.
Parte de esa atmósfera se consigue a través del encuadre y la composición. Utilizando el sensor de la Alexa 35 en modo Open Gate, los cineastas han optado por una inusual —aunque cada vez más utilizada— relación de aspecto de 1.50:1 o 3:2. Y muchas veces componen a sus personajes centrados en la imagen; centrados en lo horizontal y casi centrados en lo vertical, como si estuvieran en mitad del fotograma, atrapados en el mismo. La película parece diseñada para encerrar a los personajes en un retrato vertical, con el mundo reducido a manchas de color alrededor de sus rostros.
Eso también propicia los planos largos que identifican al film, con pocos cortes de montaje y bastante geografía alrededor de los intérpretes. Lo que ocurre con la misma es que, en gran medida, está muy desenfocada. Parte de la estética consiste en que los objetivos Panavision están utilizados muy abiertos de diafragma, quizá entre T1.4 y T2.0, aproximadamente, incluso de día. Ello hace que únicamente estén a foco los actores, y los fondos, muy o completamente desenfocados, centrando más bien la atención en los intérpretes.
Pero la atmósfera también está obtenida principalmente a través de su luz nocturna. Esta es, por lo general, una mezcla de un color cián, que identifica a la noche, junto con tonos anaranjados tipo sodio, quizá con gelatinas Industry Sodium o similares, o aparatos que las imitan. Esta luz de Taylor Clemons no posee demasiado contraste, eso sí, sin una gran diferenciación entre las zonas de luz y de sombra; es el clásico estilo de clave baja y luces integradas sobreexpuestas, en el que el director de fotografía expone más o menos para los actores, que quizá, aun así, estén de por sí algo subexpuestos antes del etalonaje, y simplemente se deja que grandes partes del decorado, a las que no llegan esas fuentes presentes en cuadro, queden más oscuras.
Esto sería mucho más delicado en celuloide, donde la subexposición extrema puede pagar un precio evidente en densidad, grano y separación tonal; en digital, y especialmente con la Alexa 35, resulta mucho más controlable. De hecho, los negros no son demasiado negros y no resultan demasiado densos. Aunque es difícil saber hasta qué punto ello procede de la luz o de las ópticas, que no son muy contrastadas y todavía menos tan abiertas, lo cierto es que los cineastas usan esa oscuridad dos o tres veces de forma efectiva, colocando a la protagonista en esas sombras para asustar o inquietar al espectador. Incluso, en un par de ocasiones, se la muestra completamente silueteada (una de ellas únicamente con luz de ojos), generando un efecto bastante inquietante.
Conclusión final
El resultado global es más efectivo que vistoso, y también más inquietante que pulcro a nivel técnico. Lo más destacable es que, aunque un film de solo veinte días de rodaje principal se presupone que tendrá que haber sido rodado rápidamente, la película terminada no lo evidencia. Como tampoco pone de manifiesto, de ninguna manera, que la imagen vaya dando saltos o que el tono sea irregular.
Así que aunque no sea una imagen que enamore especialmente, sí que funciona bien en el contexto, y tiene una virtud que muchas veces es común a grandes fotografías: agarra una línea y un tono desde el mismo comienzo, este funciona bien y el director de fotografía no lo suelta hasta el final. Desde luego, poco más se puede pedir a un presupuesto limitado y a cineastas que prácticamente son debutantes.
«Obsession» no es derroche de talento ni un alarde estético, pero sí es el típico trabajo que muestra a gente detrás de las cámaras con una idea, y una forma práctica de llevarla a cabo para explotarla al máximo en la gran pantalla.
Vista en DCP
ON FILM & DIGITAL
© Ignacio Aguilar, 2026.
El Autor
Ignacio Aguilar, AEC, además de ser autor y editor de ON FILM & DIGITAL, es director de fotografía en activo. Ha fotografiado películas como «La Pasajera» (Fernando González Gómez, Raúl Cerezo, 2021), «Viejos» (ídem, 2022), «Rabioso» (Luis Mª Ferrández, 2025), o las escenas españolas del Western «Dead Souls» (Alex Cox, 2025). Tiene pendiente de estreno «Los Que Vienen» (Víctor Català, 2026). Además colabora en diversos centros educativos, tanto en Máster, como Grados o Diplomaturas, en TAI, ESCAC, THE CORE o ECAM, entre otros. Es «Independent Certified Expert» (ICE) de Sony, así como embajador en España para las lentes Cooke SP3. Las opiniones del autor son estrictamente personales. No dudes en contactar para cualquier proyecto creativo.