«The Last Showgirl»
Título en España: The Last Showgirl
Año de Producción: 2024
Directora: Gia Coppola
Directora de Fotografía: Autumn Durald Arkapaw, ASC
Cámara: ARRIFLEX 416
Ópticas: Panavision anamórficas customizadas para Super 16mm / Panavision 16mm bespoke Auto Panatars
Emulsión: Kodak Vision3 500T 7219, subrevelada un stop en FotoKem
Formato y Relación de Aspecto: Super 16mm anamórfico (Panavision), 2.4:1
Otros: 4K Digital Intermediate
Super 16mm, anamórfico Panavision y Kodak 500T para una imagen deliberadamente frágil en la fotografía de Autumn Durald Arkapaw, ASC.
La película
Pequeña producción dirigida por Gia Coppola, que cuenta la historia de una bailarina (Pamela Anderson) de un veterano show de Las Vegas que, tras más de treinta años trabajando en el mismo, tiene que afrontar su cierre y buscar alternativas para seguir con su vida. Es entonces cuando reaparece su hija, con la que apenas tiene relación, puesto que decidió darle prioridad a su carrera cuando la niña era pequeña.
Se trata de una película muy íntima, que destaca sobre todo por el buen hacer de Anderson en el papel principal, en un registro muy diferente del que la hizo famosa décadas atrás, así como por la forma en que Gia Coppola, más allá de las limitaciones presupuestarias, afronta el material sin intentar explotar en ningún momento nada más que el drama personal de su personaje principal. Jamie Lee Curtis y Dave Bautista completan el reparto.
La directora de fotografía
La directora de fotografía fue Autumn Durald Arkapaw [ASC], famosa por haber sido la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor fotografía por su trabajo en «Sinners» (Ryan Coogler, 2025), que fue el proyecto que rodó después del presente.
Antes, en su carrera destacaba «Black Panther: Wakanda Forever» (Ryan Coogler, 2022), a la que llegó después de haber rodado «La Virgen de Guadalupe» (Victoria Giordana, 2011), «Palo Alto» (Gia Coppola, 2013), «One and Two» (Andrew Droz Palermo, 2015) o «Teen Spirit» (Max Minghella, 2018). Autumn Durald Arkapaw también ha trabajado en televisión, como por ejemplo en la serie «Loki» (2021).
Análisis del estilo visual
Rodada en únicamente dieciocho días, «The Last Showgirl» es una película que, para bien o para mal, está muy condicionada por sus elecciones técnicas. No es un film sobre actuaciones de Las Vegas como espectáculo, sino más bien sobre lo que sucede entre bambalinas, de ahí que no quepa esperar de la misma una imagen especialmente vistosa o espectacular.
La principal decisión estética de las cineastas fue rodar el film en Super 16mm; ello ya, de por sí, supone una declaración de intenciones muy fuerte, ya que la textura, nitidez y el aspecto global son radicalmente diferentes de lo que hubieran sido en caso de rodar, por ejemplo, con una ARRI Alexa Mini convencional: el 16mm hace que «The Last Showgirl» posea una estética algo antigua, vintage y decadente, que le va muy bien a la historia que se está contando, por motivos obvios.
Pero, por otro lado, el film está rodado utilizando unas lentes anamórficas Panavision para Super 16mm, cercanas al tipo de solución empleada en «Red Rocket» (2021). Con ello se consigue una relación de aspecto panorámica, pero el rendimiento de las lentes en cuanto a nitidez de borde a borde del fotograma, contraste, enfoque, etc. entra, deliberadamente, en una zona de fuerte imperfección óptica que David Watkin quizá habría podido considerar “una catástrofe óptica”.
El “look” puede que resulte interesante y exitoso en determinadas escenas, pero cuando el espectador no puede fijar la vista en casi ningún punto, porque todo está desenfocado, o bien los bordes están completamente rotos, puede que el perjuicio sea mayor que el beneficio: despista mucho y llama la atención sobre sí mismo, cuando este tipo de defectos suelen funcionar mejor cuando se integran en la narrativa y operan a un nivel más silencioso, cuando no prácticamente subliminal.
Estéticamente, el film trata de ser muy directo y quizá no documental, pero sí de tener una imagen muy realista. Ello se traduce en que, en cuanto puede, Autumn Durald Arkapaw utiliza las luces integradas en los decorados para hacer que iluminen de verdad sus escenas. Se aprecia perfectamente esta forma de trabajar en las escenas en camerinos, pasillos, etc., e incluso en las escenas domésticas.
Para ello, lo que hace la directora de fotografía es aceptar que esas fuentes queden fuertemente sobreexpuestas, sin tratar de domesticarlas por completo: es la manera de lograr que iluminen más y al mismo tiempo, abriendo el diafragma, de capturar más luz procedente de las mismas. En los exteriores, trata de rodar sin ningún tipo de luz añadida y hay algunos momentos interesantes —como la escena en la azotea, al atardecer, casi en hora mágica— haciendo uso de las luces de la ciudad en el fondo.
El problema, quizá, aparece cuando se juntan por completo dos de estas decisiones que hemos indicado: la utilización adrede de lentes muy imperfectas y el uso de fuentes integradas sin apenas más intervención. Al pobre rendimiento óptico, escaso enfoque, etc., se puede llegar a unir una imagen con poca separación, muy poca elaboración y una estética demasiado cruda y directa, lo que ocurre, por ejemplo, durante la secuencia en que preparan la cena en casa de Pamela Anderson.
El escaso contraste —en esta escena y en otras— casi nunca juega a favor de las ópticas y del pequeño negativo que maneja la directora de fotografía: cuanto más contraste haya, mejores y más densos negros, y más separación tonal, justo lo que necesita la combinación técnica empleada para ofrecer la mejor calidad de imagen posible.
Lo cual es curioso, porque Kodak indica en su web que el film fue subrevelado un stop en FotoKem, es decir, sobreexpuesto y revelado para conseguir un aspecto menos contrastado y menos saturado, aunque también con menos grano. En teoría, esa elección podía ayudar a domar la 500T en 16mm; en la práctica, sin embargo, no siempre parece favorecer a una combinación ya de por sí delicada —Super 16mm, anamórfico, ópticas con fuerte caída de enfoque lateral y mucha luz integrada— que quizá habría agradecido negros más densos, algo más de separación tonal y una imagen menos desprotegida.
Conclusión final
En ese sentido de abrazar la imperfección, que no parece importar mucho a las cineastas, «The Last Showgirl» muestra muy bien las grandes virtudes del Super 16mm, con su textura prominente junto a un aspecto de adquisición fotoquímica muy marcado, pero también sus riesgos: riesgo de pérdida de foco, menor separación espacial y una reserva técnica global mucho más limitada que la del 35mm.
Así pues, se trata de una fotografía técnicamente irregular que, más allá de sus problemas en este aspecto, sí funciona razonablemente bien a nivel narrativo. Quizá algo un poquito más pulido hubiera sido interesante, manteniendo dicha textura y realismo, pero evitando que la óptica y la forma en que está empleada en el film llamen tanto la atención por sí mismas, como demandaba el tipo de historia y de narrativa por las que apuesta el film.
Vista en Blu-ray
ON FILM & DIGITAL
© Ignacio Aguilar, 2026.
El Autor
Ignacio Aguilar, AEC, además de ser autor y editor de ON FILM & DIGITAL, es director de fotografía en activo. Ha fotografiado películas como «La Pasajera» (Fernando González Gómez, Raúl Cerezo, 2021), «Viejos» (ídem, 2022), «Rabios@» (Luis Mª Ferrández, 2025), o las escenas españolas del western «Dead Souls» (Alex Cox, 2025). Tiene pendiente de estreno «Los Que Vienen» (Víctor Català, 2026). Además colabora en diversos centros educativos, tanto en máster como grados o diplomaturas, en TAI, ESCAC, THE CORE o ECAM, entre otros. Es “Independent Certified Expert” (ICE) de Sony, así como embajador en España para las lentes Cooke SP3. Las opiniones del autor son estrictamente personales.