Nashville (1975) – Fotografía de Paul Lohmann

Paul Lohmann fotografía «Nashville» con zooms anamorfizados, Chem-Tone y una luz de localizaciones completamente subordinada al método observacional de Robert Altman.

La película

Producción de Robert Altman, ambientada en la ciudad que le da título, que sigue a un grupo de personajes relacionados con el mundo de la música en los días previos a una convención política. Sin un arco dramático puro, lo que más interesa al director es mostrar la interacción entre unos y otros, así como bastantes escenas completas de conciertos e interpretaciones musicales, con los propios actores cantando en directo composiciones propias.

Aunque fue una película de éxito y tiene muchos admiradores —entre ellos, Paul Thomas Anderson—, «Nashville» es una película muy larga y tiene más de un autocomplaciente docudrama que de una ficción, pues su director se muestra poco interesado, como tantas otras veces en su carrera, en contar una historia. Le interesa más la improvisación, el diálogo superpuesto o lo que sucede entre bambalinas que crear un cierto arco o progresión dramática, que solo aparece muy hacia el final, aunque puede que sea muy tarde para muchos espectadores que no acepten el tipo de film desde el principio. Karen Black, Ned Beatty, Michael Murphy, Henry Gibson, Shelley Duvall, Keenan Wynn, Geraldine Chaplin, Keith Carradine, Cristina Raines, Ronee Blakley, Lily Tomlin, Gwen Welles y Scott Glenn, entre otros, forman el reparto coral de la película.

El director de fotografía

El director de fotografía fue Paul Lohmann, bastante activo en proyectos de muy diversa índole durante la década de los setenta y comienzos de los años ochenta. Lohmann colaboró con Robert Altman en tres películas: «California Split» (1974), el título que nos ocupa y «Buffalo Bill and the Indians» (1976). Después comenzó a trabajar con Mel Brooks en «Silent Movie» (1976) y «High Anxiety» (1977).

Posteriormente rodaría una de las últimas películas de Steve McQueen —«An Enemy of the People» (George Schaefer, 1978)— y también uno de los últimos coletazos del cine de catástrofes, la muy fallida «Meteor» (Ronald Neame, 1979). Neame, antiguo director de fotografía, alabó mucho a Lohmann, pero lo cierto es que no volvieron a trabajar juntos. Después de «Looker» (Michael Crichton, 1981), se refugió principalmente en la televisión, medio en el que trabajó hasta su retiro a comienzos de los años noventa.

Análisis del estilo visual

La fotografía de «Nashville» es muy típica del cine de los años setenta, pero también del cine de Robert Altman. Ya en su etapa junto a Vilmos Zsigmond en «McCabe and Mrs. Miller» (1971), «Images» (1972) y «The Long Goodbye» (1973), Altman había comenzado a rodar todo su metraje con zooms adaptados al formato anamórfico. Ello implicaba, especialmente en aquella época, modificar un zoom esférico convencional —probablemente los Cooke Varotal a partir de 1971— mediante un duplicador trasero que anamorfizaba el eje horizontal.

Al estar situado detrás del punto nodal de la óptica, dicho duplicador-anamorfizador no crea los clásicos artefactos anamórficos: ni líneas azules horizontales ni óvalos estirados. Es simplemente una solución para poder adaptar los zooms al formato anamórfico. Pero tenía inconvenientes claros: el 20–100mm T3.1 se convertía en un 40–200mm T4.5 y el 25–250mm T4 en un 50–500mm T5.6, perdiendo alrededor de un «stop» de luminosidad en ópticas que ya de por sí no eran demasiado luminosas. Hay que tener en cuenta, además, que los zooms anamorfizados no ofrecían, ni remotamente, el rendimiento de las lentes fijas. Salvo dos o tres planos claramente rodados con ópticas fijas, prácticamente toda la fotografía de «Nashville» utiliza estos zooms, pues constituyen el elemento principal de estilo de su puesta en escena.

Gran parte de la película tiene lugar, además, en interiores de clubes, bares y salas de conciertos sin fuentes de iluminación natural. Seguramente Paul Lohmann tuviera que forzar el negativo —un «stop» seguro, puede que dos—, pero, aun con el forzado, rodar a 200 o 400 ASA con diafragmas del orden de T4.5 o T5.6 conllevaba utilizar mucha luz. Como la película es, de alguna manera, un docudrama, Lohmann tampoco podía intervenir demasiado con la iluminación sin perder la esencia de los lugares: es el clásico trabajo en localizaciones en el que se llega a un espacio y se incrementa un poco la luz existente para posibilitar el rodaje cinematográfico.

Pero, como necesitaba tanta luz simplemente para exponer el negativo, lo que generalmente hace Lohmann es utilizar una luz más o menos dura y directa sobre los actores principales, dejando el resto del encuadre prácticamente con la luz de ambiente, subexpuesto. Para compensar un poco, los cineastas recurrieron a un proceso del laboratorio TVC denominado «Chem-Tone», que era un tipo de «flasheado» o flashing aplicado durante el revelado —Zsigmond había «flasheado» en cámara sus películas con Altman—. El resultado de este proceso, como el del «flasheado» tradicional, era que las sombras se abrían un poco y daban la sensación de contener más información, ya que el contraste se reducía. En «Nashville» hay muy pocas altas luces y casi toda la información está entre el gris medio y el talón de la curva, por lo que un proceso de este estilo tenía sentido.

Ello hace, en cualquier caso, que la escena típica de «Nashville» parezca poco iluminada y poco tratada, casi como si se hubiera entrado en un club y rodado tal cual. Pero, por otro lado, posee escaso atractivo y se aprecia que, debido a estos condicionantes, técnicamente es justa. No parece que Lohmann, a juzgar por sus otros trabajos, no supiera hacer el suyo. Es más bien que está absolutamente condicionado por lo que quiere hacer el director: rodar todo con zooms que pasan del plano general al plano corto durante gran parte de la película, adoptando un punto de vista observacional sobre sus personajes.

Ello impide, por ejemplo, colocar las luces cerca para los primeros planos o reiluminarlos, porque la luz del plano general es también la del primer plano. En condiciones similares, Vilmos Zsigmond salió airoso con este director, al que quizá pudo «atar» más en corto en una etapa anterior de su carrera.

Conclusión final

Los resultados, salvo por el fuerte sabor setentero de la imagen, son muy justos. Resulta evidente que el planteamiento consiste en realizar una película que huya de los convencionalismos, incluidos los estéticos que Robert Altman llevaba años rompiendo. Pero la renuncia consciente a un mínimo rigor técnico hace que gran parte de «Nashville» no resulte agradable a la vista, ya que a esa imperfección técnica tampoco se contrapone una estética que la justifique.

Si se piensa en los grandes directores de fotografía de la época —el propio Zsigmond, László Kovacs, Owen Roizman, Conrad Hall, Gordon Willis, etc.—, en muchas de sus grandes obras se aprecia el mismo tipo de naturalismo que buscaba Altman. Pero sí existe una estética que justifica que la técnica pueda ser menos elaborada, o bien el naturalismo está sostenido por una técnica igualmente elaborada. Sin tener demasiado que ver, ahí está el ejemplo de Roizman con «The Taking of Pelham One Two Three».

Vista en Blu-ray

ON FILM & DIGITAL
© Ignacio Aguilar, 2026.

El Autor

Ignacio Aguilar, AEC, además de ser autor y editor de ON FILM & DIGITAL, es director de fotografía en activo. Puede consultarse su presentación profesional en la HOME, su trayectoria en la BIO y una selección de sus trabajos en WORKS. Ha fotografiado películas como «La Pasajera» (Fernando González Gómez y Raúl Cerezo, 2021), «Viejos» (ídem, 2022), «Rabios@» (Luis Mª Ferrández, 2025) o las escenas españolas del western «Dead Souls» (Alex Cox, 2025). Tiene pendiente de estreno «Los Que Vienen» (Víctor Català, 2026).

Además, colabora en diversos centros educativos, tanto en másteres como en grados o diplomaturas, en TAI, ESCAC, THE CORE o ECAM, entre otros. Es «Independent Certified Expert» (ICE) de Sony, así como embajador en España para las lentes Cooke SP3. Las opiniones del autor son estrictamente personales. No dudes en contactar para cualquier proyecto creativo.