Título en España: ¿Arde París?
Año de Producción: 1966
Director: René Clement
Director de Fotografía: Marcel Grignon
Ópticas: Panavision B-Series
Formato y Relación de Aspecto: 35mm anamórfico (Panavision), 2.35:1
Premios: Oscar a la mejor fotografía (nom)
Vista en HDTV
Marcel Grignon combina el blanco y negro y el formato Panavision con una puesta en escena de gran precisión, en la que el movimiento de cámara y la composición pesan más que la propia iluminación.
La película
Superproducción distribuida por Paramount y escrita, entre otros, por Gore Vidal y Francis Ford Coppola, con la que el estudio se sumaba a la moda de “The Longest Day” (1962): narrar una historia real de la Segunda Guerra Mundial. Esta vez, la acción se ambienta en París casi al término de la contienda, cuando los alemanes planean su retirada y el general Dietrich von Choltitz —Gert Fröbe— recibe órdenes de Hitler de destruir la ciudad antes que dejarla intacta ante la inminente llegada de las tropas aliadas.
Dirigida por el francés René Clément —“Plein Soleil”— y realizada con abundantes medios, “Is Paris Burning?” es el típico proyecto internacional de la época, con un desfile constante de estrellas en papeles a veces minúsculos. Kirk Douglas interpreta al general Patton y también aparecen Leslie Caron, Simone Signoret, Orson Welles, Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Charles Boyer, Bruno Cremer, Glenn Ford, Yves Montand, Anthony Perkins, Jean-Pierre Cassel, Robert Stack, Michel Piccoli, Jean-Louis Trintignant y George Chakiris.
Los resultados adoptan prácticamente la forma de un docudrama y son algo impersonales. El film fue además criticado porque las supuestas injerencias del general De Gaulle habrían llevado al relato a magnificar el papel real de la resistencia francesa en la liberación de la ciudad.
El director de fotografía
El director de fotografía fue el francés Marcel Grignon, que no fue demasiado conocido —o al menos no tanto como Henri Decaë, Raoul Coutard, Henri Alekan, Claude Renoir, Jean Tournier o Pierre Lhomme—, pero que consiguió un gran trabajo con este título.
La película le llevó a ser candidato al Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro, en el último año en el que la Academia mantuvo la separación entre títulos rodados en color y en blanco y negro. El premio fue finalmente para el norteamericano Haskell Wexler por “Who’s Afraid of Virginia Woolf?”.
Grignon también se hizo cargo de dos películas del británico de origen francés John Guillermin: “Rapture” (1965), con una estupenda y contrastada fotografía en blanco y negro y formato anamórfico, y “Shaft in Africa” (1973). Trabajó asimismo con John Frankenheimer en “The Fixer” (1968).
Antes, en Francia, había destacado con “Rue de l’Estrapade” (Jacques Becker, 1953), “Les Liaisons Dangereuses” (Roger Vadim, 1959), “Un Taxi Pour Tobrouk” (Denys de la Patellière, 1961) y “Fantômas” (André Hunebelle, 1964), que seguramente propició que fuera director de fotografía de múltiples películas de Louis de Funès.
Análisis del estilo visual
Como indicábamos, “Is Paris Burning?” fue una película de grandes medios. Parece que su uso del formato panorámico anamórfico en blanco y negro se debió a que las autoridades parisinas se negaban a permitir que se extendieran por las calles banderas nazis con sus colores reales. Para poder rodar en la ciudad, los cineastas tuvieron que emplear banderas negras y grises.
En cualquier caso, la decisión de rodar en blanco y negro —aunque no fuera por completo una elección de los cineastas— le sienta bien a la película y permite incorporar metraje real del conflicto. Su textura granulada añade realismo a la proyección, aunque solo sea porque las imágenes de la Segunda Guerra Mundial se asocian tradicionalmente con ese aspecto documental.
El final, cuando la ciudad ya ha sido liberada, luce a todo color mediante imágenes aéreas que terminan sobre la catedral de Notre-Dame, en su configuración anterior al grave incendio de 2019.
A pesar del blanco y negro, el formato anamórfico añade una necesaria capa cinematográfica, junto con la muy buena puesta en escena de René Clément. Esta incluye movimientos de cámara muy trabajados y un uso espectacular de todo el fotograma, con múltiples personajes ante la cámara, siempre muy bien repartidos y a veces situados incluso en los extremos del encuadre.
El efecto se ve potenciado por el uso de diálogos fuertemente direccionales en la banda de sonido estereofónica. La composición y el movimiento guían así la mirada y articulan la acción dentro de un marco especialmente ancho.
La iluminación de Marcel Grignon parece condicionada en numerosas ocasiones por la necesidad de trabajar en localizaciones reales en lugar de decorados construidos expresamente. Su estilo, muy clásico y basado en niveles de intensidad elevados, emplea luces duras dirigidas hacia los actores y los espacios.
En ocasiones aparecen dobles sombras y el director de fotografía se ve forzado a incrementar todavía más la luz de los interiores para exponer correctamente los exteriores al mismo tiempo. Por ello, la luz no es lo más interesante de la estética del film: el punto fuerte es ese trabajo de cámara preciso y muy bien ejecutado.
El formato anamórfico y Panavision
La compresión óptica, la relación de aspecto y la evolución de los sistemas anamórficos se explican en Formato anamórfico en cine: guía completa.
Conclusión final
Los resultados son muy notables. La forma en que René Clément rueda la película es grandilocuente, con un extraordinario y a veces inusual aprovechamiento del formato panorámico anamórfico. No es frecuente ver personajes situados tan cerca de sus bordes mientras la cámara se mueve de forma siempre justificada y precisa.
La iluminación de Marcel Grignon cumple perfectamente su cometido y ofrece el aspecto típico del cine de alto presupuesto de los años sesenta, aunque aquí sea en blanco y negro: niveles elevados, soluciones clásicas y mucho oficio. Todas las difíciles situaciones que seguramente afrontó el director de fotografía están resueltas con solvencia.
Sin embargo, el brillo del trabajo —y seguramente la nominación al Oscar— se encuentra sobre todo en la forma en que la cámara pasa de un personaje y una situación a la siguiente mientras los alemanes abandonan París y la resistencia francesa, con la ayuda de las tropas aliadas, recupera la ciudad intacta.
© Ignacio Aguilar, 2022. Revisada en 2026.
El autor
Ignacio Aguilar, AEC, es director de fotografía y autor de ON FILM & DIGITAL. Puedes conocer su trayectoria, explorar el archivo de reseñas, consultar su biografía profesional y sus trabajos seleccionados.