Love and Death (La Última Noche de Boris Grushenko, 1975) – Fotografía de Ghislain Cloquet
Título en España: La Última Noche de Boris Grushenko
Año de Producción: 1975
Director: Woody Allen
Director de Fotografía: Ghislain Cloquet, ASC
Emulsión: Kodak 5254 (100T)
Formato y Relación de Aspecto: 35mm esférico, 1.85:1
Ghislain Cloquet afronta la parodia de Woody Allen con una fotografía de época funcional, marcada por la luz dura, los altos niveles y el uso frecuente del zoom.
La película
Título que cierra la primera etapa de la filmografía de Woody Allen —su siguiente película sería ya «Annie Hall»— y que, en clave de comedia de evidente influencia bergmaniana, también parodia el cine soviético. Sitúa al personaje de Allen como un ruso del siglo XVIII que debe defender a su nación de la invasión napoleónica, hasta que su esposa (Diane Keaton) le propone el disparatado plan de asesinar al emperador.
Como todos sus títulos de aquella época, «Love and Death» propone múltiples sketches, unos más logrados que otros, así como líneas de diálogo absolutamente brillantes. Pero el conjunto todavía peca de una marcada inconsistencia o incluso de cierto desinterés por proporcionar una línea narrativa. Aunque ya están aquí muchos de los temas e influencias clásicas del autor neoyorquino, el carácter híbrido de la película hace que no sea una de sus obras más logradas, a pesar de lo bien que funciona gran parte de su humor.
El director de fotografía
El director de fotografía fue el belga Ghislain Cloquet, ASC, cuyo trabajo más conocido posiblemente sea «Tess», para Roman Polanski. En aquella película tuvo la difícil labor de sustituir a Geoffrey Unsworth, que falleció durante el primer tercio del rodaje, y el trabajo de ambos fue reconocido, entre otros muchos premios, con el Oscar a la mejor fotografía en 1980.
Cloquet, que también falleció poco después, era un operador habitual del cine francés, con múltiples trabajos para Alain Resnais o Robert Bresson, de modo que aportaba ya el prestigio que por aquella época parecía buscar Allen en sus colaboradores.
Análisis del estilo visual
Rodada en Francia y Hungría, lo más destacable de «Love and Death» a nivel visual son, sin duda, sus intentos de parodiar visualmente la versión de «Guerra y paz» («Voyna i Mir», 1967), de Serguéi Bondarchuk. Algunas escenas contienen tomas similares y una disposición de extras —mucho menos numerosos— que indudablemente remiten a la superproducción soviética.
Sin embargo, gran parte de la película muestra una enorme dejadez en la puesta en escena, no solo por el uso habitual de objetivos zoom para captar las acciones —en lugar de lentes fijas y de coreografiar las escenas alrededor de la cámara—, sino porque la historia, los decorados y las localizaciones ofrecían posibilidades mucho mayores para lograr una esmerada recreación de época.
Los cineastas renuncian desde el principio a esas posibilidades mediante una iluminación anticuada, cuya única intención parece ser exponer el negativo a base de luz dura y altos niveles. Algunos exteriores se salvan y tienen una apariencia algo natural, pero la mayor parte de ellos presentan una fea luz de tungsteno utilizada como relleno, demasiado obvia bajo los cielos nublados.
Conclusión final
También resultan molestos todos y cada uno de los reflejos de las luces sobre las gafas del propio Allen, una circunstancia que sus operadores hasta aquella época fueron incapaces de resolver.
Así pues, visualmente, «Love and Death» fue una oportunidad para que Allen realizara una obra de notable interés visual, pero quedó completamente desperdiciada.
Al menos, sirve para confirmar, si es que hiciera falta, el notable cambio de su cine a partir de «Annie Hall», también en la puesta en escena y la visualización, gracias a la intervención de uno de los grandes directores de fotografía de la historia del cine: Gordon Willis.
Vista en DVD
ON FILM & DIGITAL
© Ignacio Aguilar, 2013. Revisada en 2026.
Este artículo forma parte del archivo ON FILM & DIGITAL de análisis de fotografía cinematográfica, que reúne reseñas, pruebas técnicas y artículos de Ignacio Aguilar AEC.
Estos textos no son resúmenes argumentales ni críticas generalistas, sino análisis centrados en la fotografía cinematográfica escritos desde la perspectiva de un director de fotografía en activo.
Sobre el autor
Ignacio Aguilar, AEC es director de fotografía con base en Madrid. Su trabajo abarca largometrajes, televisión, publicidad y escritura técnica sobre cinematografía, con experiencia en cine digital, 16mm y 35mm, ópticas anamórficas, grandes formatos, pruebas de objetivos y flujos fotoquímicos.
Es miembro de la Asociación Española de Directoras y Directores de Fotografía (AEC) y de la Academia de Cine, Sony I.C.E. Certified Expert y embajador de las ópticas Cooke SP3. Sus artículos han aparecido en American Cinematographer y Camera & Light.
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