Deliverance (Defensa, 1972) – Fotografía de Vilmos Zsigmond

Vilmos Zsigmond transforma la belleza natural del paisaje en una presencia progresivamente amenazadora, al servicio de una de las películas esenciales de John Boorman.

La película

Adaptación de la novela de James Dickey acerca de cuatro hombres de ciudad —Jon Voight, Burt Reynolds, Ronny Cox y Ned Beatty— que realizan una excursión para recorrer en piraguas una zona a punto de desaparecer debido a la construcción de una presa que anegará todo el paisaje. Sin embargo, a mitad de recorrido son atacados por gentes del lugar, entre ellos un escalofriante Bill McKinney, en un enfrentamiento que cambiará sus vidas y valores.

Posiblemente la mejor película del autor de estupendas obras como «Point Blank» (1967), «Hell in the Pacific» (1968), «Excalibur» (1981) o «The Emerald Forest» (1985), «Deliverance» representa muy bien su obsesión por describir una naturaleza amenazadora.

Está plagada de momentos memorables —no solo el famoso enfrentamiento, sino también la secuencia de «Dueling Banjos»— y de suspense. De este modo, supone una obra cumbre del cine norteamericano de los años setenta que hoy en día sería inconcebible.

El director de fotografía

Rodada en localizaciones naturales de los estados de Georgia y Carolina del Sur, «Deliverance» es también uno de los títulos clave en el fulgurante inicio de la carrera del director de fotografía Vilmos Zsigmond, ASC, en su única colaboración con John Boorman.

Después de su brillante trabajo junto a Robert Altman en «McCabe and Mrs. Miller» (1971), Zsigmond y Boorman estudiaron repetir el flasheado, el revelado forzado y los filtros Double Fog de aquella película. En declaraciones contemporáneas al rodaje, Zsigmond afirmó que habían decidido no utilizar flasheado ni filtros de niebla porque «Deliverance», ambientada en el presente, debía tener una imagen más nítida y contrastada.

Sin embargo, Zsigmond ofreció versiones contradictorias en distintas ocasiones y el aspecto de algunas imágenes permite considerar la posibilidad de que sí se empleara flasheado de forma puntual, aunque no puede asegurarse. Para reducir la dureza de los colores, Technicolor añadió posteriormente negro al equilibrio cromático. La copia retiene en algunos momentos cierta pobreza en la densidad de los negros, textura granulada y suavidad global.

Análisis del estilo visual

Las escenas iniciales muestran las localizaciones en todo su esplendor, con un aspecto soleado embellecido por el escaso contraste y la suave textura que presenta la copia, quizá relacionados con un posible flasheado puntual y el uso de filtros difusores. Pero, a medida que la película avanza, ambos parecen reducirse o desaparecer: los cielos comienzan a aparecer nublados, la textura se endurece y la paleta queda limitada a tonos verdes, marrones y una escala de grises que hace que los personajes parezcan atrapados por la violencia del entorno.

En casi todo momento, Zsigmond consigue un aspecto muy natural sobreexponiendo el negativo, ya que así evita en muchas ocasiones tener que utilizar luces de relleno sobre los personajes. A pesar de ello, los niveles de luz entre la maleza son muy escasos y lo obligan a sustituir el zoom por ópticas fijas a máxima apertura de diafragma —algo que por esta época el húngaro únicamente hacía cuando sus niveles descendían de T4—, lo que conlleva la introducción de múltiples defectos y aberraciones en la imagen.

Cuando no le queda otra opción, la luz de relleno que emplea casi siempre está subexpuesta uno o dos diafragmas con respecto a la parte más brillante del fotograma. Por ello nunca llega a ser intrusiva y mantiene la relativa naturalidad de una imagen que conserva un aspecto muy crudo durante toda la proyección.

El trabajo de cámara —seguramente con varias unidades equipadas con lentes zoom rodando simultáneamente las escenas de los rápidos, en las que los propios actores intervinieron sin recurrir a especialistas— incluye mucha movilidad para acercar al espectador lo máximo posible a la acción. Ello no impide que los cineastas logren numerosas composiciones que muestran una gran clase para la puesta en escena, especialmente cuando captan una acción simultánea en segundo término.

Se trata de un trabajo que aúna un gran atractivo y una enorme eficacia narrativa, ya que es un elemento esencial de la atmósfera de la película. Lo peor es el tristemente famoso momento en el que Jon Voight escala el acantilado hacia el final. Originalmente, Zsigmond rodó la escena en noche americana y, para darle un aspecto más convincente, trataron de aplicar en el laboratorio un efecto solarizado que oscureciera aún más los cielos.

Sin embargo, el efecto fracasó y nunca pudo ser corregido, por lo que permanece en la película y supone una tremenda distracción en un momento de gran tensión.

Conclusión final

© Ignacio Aguilar, 2014. Revisada en 2026.