Don’t Look Now (Amenaza en la Sombra, 1973) – Fotografía de Anthony B. Richmond

Nicolas Roeg y Anthony B. Richmond convierten la Venecia invernal en un espacio bello, onírico y amenazador mediante montaje, color y una fotografía que no teme a la oscuridad.

La película

Estupendo thriller —basado en una historia de Daphne du Maurier— dirigido por quien fuera uno de los directores de fotografía más alabados de los años sesenta, con trabajos para prestigiosos cineastas como David Lean, François Truffaut, John Schlesinger e incluso Roger Corman. Julie Christie y Donald Sutherland interpretan a un matrimonio que, tras la muerte de su hija, se traslada a Venecia, donde el marido trabaja como director de la restauración de una iglesia.

En un restaurante, casualmente, la esposa conoce a dos mujeres, una de las cuales, ciega, le asegura que su hija fallecida está intentando contactar con el matrimonio para advertirles del peligro que los acecha. Con estos elementos, Roeg narra la historia con muy buen pulso, recogiendo elementos o influencias del cine anterior de Roman Polanski —"Repulsion" (1965) y "Rosemary’s Baby" (1968)— y del suspense hitchcockiano de "Vertigo" (1958).

Incluso podría ser que Brian De Palma hubiera tomado nota de este filme para su particular versión de la obra del británico, "Obsession" (1976). Roeg contó aquí con quien se convertiría en uno de los compositores predilectos de De Palma, Pino Donaggio.

El director de fotografía

El director de fotografía, por primera vez en la carrera de Roeg como director, no fue él mismo, sino su compatriota Anthony B. Richmond, ASC, BSC, quien ya había trabajado en los equipos del aquí director cuando este aún era operador. Debido al antiguo oficio de Roeg, es lógico pensar que su implicación en el aspecto visual de "Don’t Look Now" fuera total.

De la carrera posterior de Richmond destacan "The Man Who Fell to Earth" (1976) y "Bad Timing" (1980), también junto a Roeg, además de "The Eagle Has Landed" (John Sturges, 1976) y "The Indian Runner" (Sean Penn, 1991).

Análisis del estilo visual

El aspecto por el que más destaca el filme, incluso en términos globales, es la atmósfera malsana que crea el director a través de su puesta en escena. Durante la escena inicial, por ejemplo, crea asociaciones de imágenes entre lo que está sucediendo dentro de una casa, en la que está el matrimonio, y lo que sucede fuera, donde están los hijos, dando a entender que lo segundo tiene un reflejo en lo primero. De este modo llega a hacer creíble el momento en el que el padre se percata de que su hija se está ahogando.

A través del montaje —obra del futuro director Graeme Clifford—, Roeg introduce breves insertos en determinados momentos de la película que recuerdan detalles sucedidos o comentados con anterioridad y que, lejos de parecer reiterativos, incrementan la tensión de las escenas.

Aunque en gran parte de las escenas se utiliza el zoom de una forma que ha quedado muy anticuada, generalmente con acercamientos muy rápidos a rostros u objetos, Roeg consigue trasladar el nervio y la inquietud al espectador con un notabilísimo trabajo de cámara. Esta se encuentra generalmente sobre un trípode, pero en determinados momentos se sitúa al hombro, muy cerca de los personajes, prácticamente como si fuera el punto de vista de un fantasma que los observa.

De esta forma, con el empleo de distintos ángulos y con un uso prodigioso del color rojo, durante prácticamente la totalidad del metraje se tiene la sensación de que algo malo está a punto de ocurrir, manteniendo constantemente el interés.

La iluminación también está a la altura del resto del conjunto, resultando moderna, natural y atmosférica cuando es necesario. Gran parte de los exteriores, tanto en Inglaterra como en Venecia, donde se sitúa el grueso de la acción, están rodados con el sol incidiendo de forma lateral y muy suavizado, posiblemente por la humedad del clima inglés o el de la ciudad de los canales. Por ello, su calidad es magnífica y produce imágenes de gran belleza, como las de apertura.

Los interiores diurnos hacen uso de luz rebotada o directa fuertemente difuminada para simular los efectos de la suave luz natural entrando por las ventanas. Los interiores nocturnos quizá no sean tan satisfactorios, con un mayor uso de fuentes puntuales —aunque también se integran en el decorado— para conseguir adecuados niveles de exposición, pues únicamente parece que recurrieron a objetivos ultraluminosos a máxima apertura en la escena en que la pareja acude a una iglesia a poner velas a su hija fallecida.

Sin embargo, Roeg y Richmond consiguen salvar bien casi todas estas situaciones mediante un buen nivel de contraste. Y, por supuesto, donde realmente luce su talento es en la tenebrosa descripción de la noche veneciana, también a través de luz puntual dirigida sobre los edificios. Consiguen así un aspecto muy creíble a la par que amenazador, entre el que destaca la escena final, con los canales llenos de niebla, bella, onírica y terrorífica a partes iguales.

© Ignacio Aguilar, 2015. Revisada en 2026.