Walkabout (1971) – Fotografía de Nicolas Roeg

Nicolas Roeg convierte el desierto australiano en un espacio directo, hostil y poético mediante luz disponible, una cámara ligera y una mirada ajena al postalismo.

La película

Libre adaptación de la novela del mismo título, escrita por James Vance Marshall en 1959, que en su versión cinematográfica tiene como protagonistas a una joven adolescente —Jenny Agutter— y a su hermano pequeño —Luc Roeg, hijo del director, acreditado como Lucien John—, quienes se pierden en el desierto australiano sin agua, apenas ropa ni comida.

Cuando están desesperados por la sed, se cruza en su camino un aborigen —David Gulpilil— que está realizando su período de entrenamiento en solitario, el «walkabout» del título, de acuerdo con las tradiciones de los nativos de la zona. Él los ayuda a sobrevivir y poco a poco comienza a establecerse una relación entre los tres, a pesar de las dificultades de comunicación entre el chico y la chica, mientras buscan algún lugar civilizado donde ser rescatados.

“Walkabout” fue el primer trabajo en solitario de Nicolas Roeg como realizador, después de haber debutado el año anterior en “Performance”, que firmaba junto a Donald Cammell. Más allá de su sencillo argumento, la película lanza varios poderosos mensajes al espectador, todo ello envuelto en una mágica atmósfera bajo la espléndida partitura de John Barry. Quizá algunas de las yuxtaposiciones de imágenes o ideas de montaje de Roeg, tan habituales en él, hayan quedado anticuadas. Pero seguramente se trate de su obra maestra como director junto con la más conocida “Don’t Look Now” (1973), así como de una película con claras influencias en el cine posterior de Terrence Malick, por ejemplo.

El director de fotografía

El director de fotografía fue el propio realizador, Nicolas Roeg [BSC], en la última película en la que firmaría dicha labor además de la dirección. Por supuesto, Roeg no era ajeno a la fotografía, sino todo lo contrario: desde su debut como primer operador en 1960, había fotografiado películas como “The Masque of the Red Death” (Roger Corman, 1964), “Fahrenheit 451” (François Truffaut, 1966) y “Far from the Madding Crowd” (John Schlesinger, 1967).

También trabajó para Richard Lester en “A Funny Thing Happened on the Way to the Forum” (1966) y “Petulia” (1968). Además, Roeg era conocido por su labor en una de las segundas unidades de “Lawrence of Arabia” (David Lean, 1962), trabajo por el que el propio realizador británico le recompensó poniéndolo al frente de la primera unidad de “Doctor Zhivago” (1965). Sin embargo, las diferencias personales y profesionales entre ambos cineastas pusieron fin al trabajo de Roeg en la película, en la que fue sustituido por Freddie Young, que ya había ganado el Oscar por “Lawrence” y volvería a ganarlo por “Zhivago”.

En los equipos de cámara de Roeg trabajaron habitualmente Alex Thomson y Anthony “Tony” Richmond, quienes se harían cargo de la fotografía de la mayoría de sus películas posteriores. De hecho, Richmond estuvo presente en el rodaje de “Walkabout” con el crédito de “Special Photography”, un posible reconocimiento a su labor con los múltiples planos de naturaleza y animales del desierto australiano que aparecen durante la proyección.

Análisis del estilo visual

“Walkabout” fue rodada principalmente en recónditos parajes desérticos y, por el tipo de imágenes captadas por los cineastas, se puede entrever que, además de emplear pocos actores en pantalla, tampoco hizo uso de un equipo demasiado extenso detrás de las cámaras. De hecho, es una película que, con la excepción de algunos momentos puntuales o aislados, no utiliza o apenas emplea iluminación cinematográfica: únicamente algo de luz de relleno cuando la cámara de Roeg se acerca mucho a Agutter o Gulpilil, o en alguno de los escasos interiores.

Ello es posible porque “Walkabout” transcurre casi en su totalidad en exteriores, en los que Roeg simplemente se limita a rodar con la luz disponible, tratando de obtener el mejor partido de ella, pero sin buscar una dirección o cualidad de luz en particular. En ese sentido, es una película con buenas exposiciones, pero no cae en el que hubiera sido el error de tratar de capturar escenas con una luz demasiado bonita o planos con aspecto de postales.

Ello no quiere decir que, aisladamente, no posea buenas imágenes, pero el viaje de los chicos está captado de forma más o menos directa y sin demasiado artificio. Fruto de la imposibilidad de iluminar grandes espacios nocturnos, Roeg recurrió además a la noche americana para este tipo de escenas, como era habitual en la época.

Como las películas posteriores del director, “Walkabout” está rodada principalmente a través de lentes zoom, concretamente el Angenieux 25-250mm T3.9 de los años sesenta. Ello no supone un problema especialmente grave en términos cualitativos porque las condiciones lumínicas eran favorables. Sin embargo, lleva aparejado que el uso del zoom para acercarse o alejarse de la acción sin recurrir a travellings, dollies o grúas haya quedado mucho más anticuado.

Junto con algunas de las estridentes imágenes que Roeg intercala para captar ciertos paralelismos entre lo que ven los chicos y lo que sucede en el mundo real, se trata quizá de lo peor de la película, por mucho que el director quisiera trasladarnos algunos mensajes trascendentes mediante asociaciones de imágenes.

También es curioso que Roeg emplee el Kinoptik 9.8mm, la lente que hizo famosa Stanley Kubrick, también en 1971, en “A Clockwork Orange”. Se trata de un gran angular extremo pero rectilíneo que, aplicado en exteriores, ofrece a veces una perspectiva tan única como excesiva.

Conclusión final

Por todo ello, se trata de un conjunto estéticamente sencillo, porque no emplea grandes medios técnicos ni humanos para trasladar la historia a la pantalla, pero que curiosamente funciona mucho mejor cuanto menos hace Roeg como director que cuando pretende lanzar mensajes al espectador. Las imágenes a veces son muy bellas y poéticas y casan de manera estupenda con la majestuosa banda sonora.

De modo que, en cierto modo, dichos montajes y yuxtaposiciones resultan molestas desviaciones de la historia principal que, por suerte, no impiden disfrutar del grueso de una película que, con los años, ha alcanzado una merecida dimensión de culto. Además, es uno de los trabajos más significativos de un director tan irregular, pero interesante, como Nicolas Roeg.

© Ignacio Aguilar, 2019. Revisada en 2026.

El autor

Ignacio Aguilar, AEC, es director de fotografía y autor de ON FILM & DIGITAL. Puedes conocer su trayectoria, explorar el archivo de reseñas, consultar su biografía profesional y sus trabajos seleccionados.