«Who Framed Roger Rabbit»
Título en España: ¿Quién engañó a Roger Rabbit?
Año de Producción: 1988
Director: Robert Zemeckis
Director de Fotografía: Dean Cundey, ASC
Ópticas: Panavision Ultra Speed MKII (35mm 4-perf), Nikon (VistaVision)
Emulsión: Kodak 5247 (125T), Kodak 5297 (250D), Kodak 5294 (400T), Agfa XT-320
Formato y Relación de Aspecto: 35mm 8-perf (VistaVision) + 35mm esférico (4-perf 35mm), 1.85:1
Otros: fotografía adicional de Paul Beeson, BSC
Premios: Oscar a la mejor fotografía (nominación), BAFTA (nominación), British Society of Cinematographers (nominación)
Dean Cundey, VistaVision y cine negro en color para uno de los grandes prodigios técnicos del Hollywood de los años 80.
La película
Adaptación cinematográfica de un libro de Gary K. Wolf, ambientada en Hollywood, en 1947. Con un argumento con claros ecos de “Chinatown” (Roman Polanski, 1974), justo después del éxito de “Back to the Future” (1985) y antes de embarcarse en sus secuelas, Robert Zemeckis rodó uno de los films más caros de la década de los 80: en un mundo imaginario en el que coexisten personas y dibujos animados, un detective privado venido a menos (Bob Hoskins), recibe el encargo de hacer unas fotos comprometidas de Jessica Rabbit, la mujer de un “cartoon” muy famoso, Roger Rabbit.
Cuando el detective se da cuenta de que lo han utilizado para culpar a Rabbit de un asesinato, comienza una investigación alternativa para desmontar dicha acusación. “Who Framed Roger Rabbit” fue y se mantiene como un hito técnico, por la perfecta conjunción de su imagen real y de la animación a cargo de Richard Williams.
Pero su tono indefinido (ni del todo infantil ni adulto) y su ritmo a veces atropellado y ruidoso juegan algo en contra, incluso a pesar del gran esfuerzo de producción para poder mostrar a tantos personajes animados “reales”, no solo de Disney, sino también de otras compañías como Warner Bros. Joanna Cassidy y Christopher Lloyd secundan a Hoskins, protagonista absoluto.
El director de fotografía
El director de fotografía, aunque el film se rodó principalmente en el Reino Unido, fue el norteamericano Dean Cundey [ASC], quien por aquel entonces era el colaborador predilecto del director Robert Zemeckis. Dean Cundey se había hecho famoso gracias a su colaboración con John Carpenter en “Halloween” (1978), “The Fog” (1980), “Escape From New York” (1981), “The Thing” (1982) y “Big Trouble in Little China” (1986).
Cundey y Zemeckis colaboraron primero en “Romancing The Stone” (1984), rodaron también las tres películas de “Back to the Future” (estrenadas en 1985, 1989 y 1990, si bien las secuelas fueron rodadas a la vez) y también hicieron “Death Becomes Her” (1992), su última colaboración. Desde “Forrest Gump” (1994) en adelante, Zemeckis casi siempre ha rodado con Don Burgess.
Cundey, mientras aún rodaba con Zemeckis, fue convocado por el mismísimo Steven Spielberg tanto para “Hook” (1991) como para “Jurassic Park” (1993), pero quizá tuvo la mala suerte de que en “Schindler’s List” (1993), Spielberg se cruzara con el polaco Janusz Kaminski, con el que ha rodado siempre desde entonces. Su filmografía posterior no es tan interesante, aunque destaca de la misma “Apollo 13” (1995). En años recientes ha estado todavía activo, rodando por ejemplo “The Mandalorian” para la televisión.
Análisis del estilo visual
“Who Framed Roger Rabbit” fue uno de los proyectos más complicados de su época, puesto que sin poder todavía acceder a técnicas digitales —que llegarían muy poco tiempo después al cine— se logró combinar de manera convincente actores y decorados reales junto con personajes de animación. En esencia, lo que tuvieron que hacer los cineastas, durante el rodaje, fue hacer un rodaje en el que debían prever dónde estarían los dibujos animados y qué iban a hacer en la copia final, a fin de proporcionarles “los fondos” adecuados a los animadores para dibujar, animar y añadir matices de luz de la escena a sus creaciones.
Así que, en buena lógica, para insertar algo más de mil planos de efectos, los cineastas tuvieron que realizar una detallada planificación de cada escena y prever qué planos llevarían efectos de animación y cuáles no, todo ello sabiéndolo de antemano.
Para ello, contaron además con Industrial Light & Magic (ILM), la empresa de efectos visuales más prestigiosa de la época. Uno de los avances que se implantaron en “Who Framed Roger Rabbit” fue la construcción de una nueva cámara para rodar todos los planos en los que iba a haber efectos de postproducción. Puesto que la cámara VistaVision iba a tener que rodar mucho sonido directo, se construyó la denominada VistaFlex, que estaba lo suficientemente insonorizada como para rodar diálogos.
Como otras cámaras previas del formato, la VistaFlex empleaba ópticas Nikon de fotografía, pero en esta ocasión se podían usar con un mando de foco, en lugar del foco fijo de la anterior cámara, la EmpireFlex, que generalmente se usaba con planos sin movimiento de foco (o haciéndolo a mano). El material sin efectos se rodó en 35mm 4-perf convencional, mientras que los efectos y animación se integraron en un interpositivo máster con integración óptica de dicho material; la idea era que el mayor área de negativo (el doble) del VistaVision haría que la degradación por el copiado no fuera apreciable con respecto al negativo 35mm normal. Cundey estimaba que el 80% de la película se rodó en VistaVision.
El resultado debió de ser fabuloso: el Blu-ray 4K actual parte de dos fuentes: un escaneado de dicho negativo 35mm normal para las escenas sin efectos, así como del máster positivo (elemento de segunda generación) con los efectos visuales integrados. Y la integración de muchas escenas es perfecta, con muy pocas tomas a lo largo de la película en las que exista una caída de calidad como consecuencia del uso de efectos.
En este sentido, es llamativo cómo el trabajo óptico y de integración es muy superior al de las dos secuelas de “Back to the Future”, en las que la degradación de calidad cada vez que se duplica a un personaje es muy obvia, lo cual resulta curioso porque se rodaron después. En el caso de “Who Framed Roger Rabbit”, el negativo más utilizado fue el clásico Kodak 5247 (125T), tanto para el material VistaVision como para el 35mm normal, si bien en la película también hay algo de 5294 (400T, más granulado) y de 5297 (250D). Curiosamente, todo el final tuvo que ser rodado con la famosa Agfa XT-320, puesto que los cineastas necesitaban algo más sensible que la 5247 pero menos granulado que la 5294. El look apastelado y de bajo contraste de Agfa no aparece en pantalla, seguramente porque Cundey la sobreexpuso para asimilarla más al “look” de la 5247, más contrastado y saturado, con mejores negros.
Así pues, más allá de un rodaje tan complicado en VistaVision, los cineastas tuvieron también el reto de reconstruir Hollywood en el Reino Unido. Para ello contaron con diseños muy interesantes de Elliot Scott (“Dragonslayer”, “Indiana Jones and the Temple of Doom”) y gracias también a un breve rodaje en exteriores reales de Los Ángeles, nadie podría decir que el film no fue hecho en Estados Unidos.
En cuanto al aspecto, dentro de que “Who Framed Roger Rabbit” es una película relativamente luminosa, los cineastas buscaban claramente una estética de cine negro en color, también con ciertos ecos de la fotografía clásica “Technicolor”, con colores intensos y saturados, y todo ello se aprecia muy bien en pantalla. Esa estética “noir” suele implicar la utilización de bastante luz dura, así como de la existencia de sombras en el decorado (por ejemplo, de persianas venecianas) y Dean Cundey parece que se encuentra cómodo con ellas.
También hay un notable uso de la luz de neón, a veces apoyada en colores rojos intensos que bañan también ciertas partes del decorado. Se trata de un aspecto sofisticado, relativamente creíble (o lo suficientemente creíble dado el tipo de película que es “Who Framed Roger Rabbit”), pero sobre todo, esa estética noir en color no solo evoca el Hollywood de los 40, sino que proporciona a los animadores una base de luces y sombras consistente que hace creíbles a los cartoons dentro del mundo real.
Lo mejor no es que se integrasen personajes reales y “cartoons” en pantalla, algo que no era novedoso, sino que gracias a que en la animación se trabajó la luz de los personajes animados y a que en postproducción se añadieron las sombras de estos, u otros efectos de luz que los afectan, la fusión entre realidad y dibujos es muy elevada y funciona de manera muy efectiva en la gran pantalla, sin impedir que Robert Zemeckis moviera mucho la cámara, lo cual sin duda también favorece el dinamismo de la integración.
No es que viendo la película el espectador llegue a olvidar que se trata de “cartoons”, pero todo fluye muy bien. Curiosamente, si algo resulta problemático, son más bien las escenas en las que los personajes reales entran en la ciudad animada, Toontown (es decir, solo hay un personaje y el resto es todo animación). En ellas, el recorte de la pantalla azul de ILM es más evidente.
Conclusión final
Los resultados, por consiguiente, son buenísimos desde un punto de vista técnico. Ni siquiera transcurridas casi cuatro décadas desde su rodaje y estreno hay demasiados puntos criticables en este aspecto. Ello se debe al dinero empleado, que, como es lógico, compra mucho tiempo y posibilidad de hacer muchas pruebas, construir las herramientas necesarias para el rodaje (como la cámara VistaFlex) y un rodaje muy largo y muy preciso.
Pero la estética, tanto por su elección como cine negro en color, como por la forma en que lo implementa Dean Cundey, es también muy interesante e imperecedera. Quizá no sea su mejor trabajo, ni el más vistoso, ni el más arriesgado, pero sí que le permitió mostrar su talento con la luz y su indudable pericia técnica, que le llevaron a ser el especialista número uno en Hollywood cuando se trataba de rodar películas con múltiples efectos visuales de postproducción, en las que era necesario implementar muchas soluciones técnicas en el propio rodaje.
Por ello es por lo que obtuvo la única nominación al Oscar de toda su carrera, que perdió ante Peter Biziou (“Mississippi Burning”, 1988). También fue candidato al BAFTA y al premio de la sociedad británica de directores de fotografía (BSC), aunque curiosamente, sus compañeros de la sociedad americana (ASC), no le concedieron tal distinción en forma de una candidatura a su premio, algo que sí obtuvo por “Hook” y “Apollo 13”, años después.
Vista en Blu-ray 4K HDR
ON FILM & DIGITAL
© Ignacio Aguilar, 2026.
El Autor
Ignacio Aguilar, AEC, además de ser autor y editor de ON FILM & DIGITAL, es director de fotografía en activo. Ha fotografiado películas como “La Pasajera” (Fernando González Gómez, Raúl Cerezo, 2021), “Viejos” (ídem, 2022), “Rabios@” (Luis Mª Ferrández, 2025), o las escenas españolas del western “Dead Souls” (Alex Cox, 2025). Tiene pendiente de estreno “Los Que Vienen” (Víctor Català, 2026). Además colabora en diversos centros educativos, tanto en másteres como en grados o diplomaturas, en TAI, ESCAC, THE CORE o ECAM, entre otros. Es “Independent Certified Expert” (ICE) de Sony, así como embajador en España para las lentes Cooke SP3. Las opiniones del autor son estrictamente personales. No dudes en contactar para cualquier proyecto creativo.
